Opera musicale letterario sulle
Lezioni americane
Di Italo Calvino
Musica Thomas Fortmann
Libretto Stefano Adami
Il progetto di produzione di un’Opera musicale ispirata alle Lezioni americane di Italo Calvino nasce dall’incontro fra il lavoro del compositore Thomas Fortmann e di Stefano Adami, studioso della vita e dell’opera del grande scrittore italiano. I due collaboratori sono partiti dalla necessità che fossi ormai opportuno celebrare il centenario di Calvino attraverso forme, modi e linguaggi espressivi che non siano sempre quelli tradizionali dei convegni, delle conferenze e delle giornate di studio, ma utilizzando invece linguaggi diversi per ricordare quello che è stato uno dei più grandi sperimentatori del ‘900 letterario mondiale. È nata così l’idea di produrre una vera e propria Opera musicale che mettesse in musica i vari capitoli delle Lezioni americane, una sorta di guida letteraria, filosofica e culturale che l’umanità doveva portare con sé per entrare nel Terzo millennio. Tale guida era articolata, secondo Calvino, sui sei valori fondamentali che sarebbero stati necessari nell’età nuova. Valori che non riguardano solo la letteratura, ma nello stesso modo anche la musica. In effetti, la composizione è un tentativo di rintracciare i corrispondenti paralleli musicali dei parametri di ogni lezione. E i testi dei passaggi vocali sono costituiti dagli significativi esempi letterari che Calvino propone.
L’idea di un "concerto-letterario" nasce quindi dall’isolare dei passi fondamentali di ognuno dei sei capitoli, intorno ai quali comporre degli equivalenti musicali che vedono poi i testi recitati o cantati. Si tratta di un modo nuovo di leggere questo testo, che Calvino concepiva come una sorta di suo lascito definitivo.
Questa Opera musicale sarà quindi certamente una delle forme più originali ed adeguate per celebrare Calvino.
Note sulla composizione:
Come spesso accade nella mia vita, ci sono queste strane coincidenze: sono seduto su un terrazzino a Siracusa e mentre sto studiando la sua storia, Stefano Adami mi chiama per propormi di fare una composizione sulle Lezioni americane di Calvino per il suo centenario. E io a Siracusa con Platone, Eschilo, Plutarco, l’imperatore Barbarossa e colui che qui mi affascina di più:
Archimede, le sue sfere e i suoi cilindri e soprattutto le sue spirali - e di come fece affondare le pesanti navi romane in fondo al mare con la cosa più leggera, cioè la luce del sole concentrata negli specchi, diretta sulle vele, e le frecce infuocate. Nella mia testa, le linee si sono sovrapposte: qui Calvino con il primo capitolo "leggerezza", la leggerezza del peso, la forza di gravità, "l’equilibrio come gestione bilanciata del peso", e lì Archimede con il suo "equilibrio delle superfici piane" e il loro centro di gravità - le sue spirali, che dovrebbero essere in qualche modo comprensibili musicalmente come serie di note che si sviluppano con un fattore costante; verticalmente da un punto di partenza in altezza e profondità e orizzontalmente nel tempo. Una coincidenza di secoli!
Oltre alle varie spirali che ho sviluppato da un centro verso l’alto e verso il basso, la mia composizione è caratterizzata principalmente da metodi dodecafonici. Spesso queste lezioni di Harvard si leggono come un manuale spirituale per trasmettere il significato e la bellezza della dodecafonia.
Certo, non come un banale trattato di teoria musicale, ma come una guida perfetta per capire come e perché si può cogliere nella loro piena complessità tutte le 12 note.
Per i passaggi cantati, ho cercato di prendere poesie o frammenti di testo che Calvino sottolinea in modo particolare come esempi delle sue tesi. Dal punto di vista musicale, ci sono momenti di incrocio di temi, anche se si tratta per lo più di variazioni. Anche le lezioni di Calvino hanno uno spirito tematico trasversale: il pensiero e l’argomentazione dualistica, il "tanto quanto", il "da una parte e dall’altra" (leggerezza e gravità - velocità e decelerazione - esattezza e vaghezza - particolarità e molteplicità) attraversa tutti i capitoli.
Lavorare alle Lezioni americane è stato per me uno sguardo affascinante sulle coincidenze artistiche, matematiche e filosofiche che si intrecciano nei secoli e che, attraverso Calvino, hanno trovato espressione anche nel nuovo millennio.
Grafeneck 10654
Storia
Grafeneck, per molti anni residenza di caccia e palazzo di piacere del duca Carl-Eugen di Württemberg, era un luogo di cultura nel 18° secolo dove si coltivava la musica, l'opera e il balletto. Nel 1928 la Fondazione Samaritana prese in consegna il palazzo come luogo per i disabili. Nel 1939 fu confiscato dallo stato nazionalsocialista per "scopi del Reich". Dal gennaio 1940 al dicembre dello stesso anno, 10654 disabili e malati mentali furono assassinati.
Progetto
Nel tentativo di rendere comprensibile il numero inimmaginabile di vittime, è diventato chiaro che non si dovrebbe mai trattare solo di numeri, ma che è importante dare di nuovo un volto alle singole vittime. Sotto le mani di Jochen Meyder, 10654 figure di terracotta sono state create nel corso degli anni, modellate individualmente, con volti individuali. Una volta che tutte le figure, tutte le vittime, sono state scolpite e disposte, i visitatori del memoriale sono invitati a portare a casa una figura, per dare ad ogni vittima un luogo di ricordo, un tutore, in modo che non siano mai più dimenticate.
Thomas Fortmann ha avuto l'idea di un concerto commemorativo per le vittime e ha ha anche coinvolto il compositore e violinista Helmut Lipsky. Così si ha sviluppato il progetto per un concerto che traccia musicalmente la storia del castello.
La musica
Il programma inizia con un'introduzione rinascimentale, un' Allemanda con Tripla di Thomas Fortmann. Segue una composizione di entrambi gli autori su temi delle Sonate di Württemberg di Carl Philipp Emanuel Bach, che furono dedicate al duca Carl Eugen. Il pezzo di Helmut Lipsky „Überm Sternenzelt sicher wohnen“ tratta l'Inno alla gioia di Schiller, e la composizione Grafeneck 1940 di Thomas Fortmann, che tratta gli eventi incomprensibili di Grafeneck, conclude il concerto. I quattro composizioni sono stati scritti appositamente per questa commemorazione e richiedono una strumentazione inusuale: violino (più violino elettrico), pianoforte e percussioni.
Jochen Meyder ha studiato scultura a Stoccarda e Norimberga, storia dell'arte e filosofia a Tubinga. Le sue opere sono impegnate nella figura, pittura, collage da oggetti trovati, e ricevono così una nuova dichiarazione. Le figure per gli omicidi di Grafeneck comprende un gruppo separato di lavori.
Guerrieri della Notte
concerto per 2 pianoforte & ad.lib batteria
Pensieri
sulla simbologia dei numeri e degli intervalli nella composizione
Bronzi
sono di Daniel Spoerri e esposti nel „Giardino di Daniel Spoerri“
Video
di Isabel Briskorn
Opera da camera
Vaudeville für Leontine
Basato su un testo di Prolitheus Pfenninger
Libretto Thomas Fortmann
Trailer „Prima“ semi-sceneggiata
Festival Murten Classics 2018
Kaspar Zehnder (direttore musicale)
Stefanie Szanto (mezzosoprano)
Hans-Jürg Rickenbacher (tenore)
Wolf Latzel (baritono)
Anna Drescher (regia)
Christian Beck (scenografia)
Christophe Gorgé (illuminazione)
Ensemble Paul Klee:
Kaspar Zehnder (flauto), Barnabás Völgyesi (clarinetto)
Philippe Talec (violino), Matthias Schranz (violoncello)
Ivan Nestic (contrabbasso) Daniel Brylewski (pianoforte)
Christoph Vogt (percussioni)
L’idea e creazione
Una sera, tornando a casa, Prolitheus Pfenninger trova un libro sul sedile del treno. È il peggior libro in cui si sia mai imbattuto. Mentre è ancora sul treno, comincia a migliorarlo con un pennarello e Tippex: cancella interi blocchi di testo e lascia solo singole parole o parti di frasi. Nei 20 mesi successivi, affina la sua tecnica di décollage. Invece del disgusto, pone la poesia come sovrastruttura mentale. Cioè, ogni pagina individualmente diventa un oggetto di studio a sé stante. Il testo originale offre varie, ma limitate possibilità a causa della scelta delle parole. Così lavora su una pagina a volte per giorni fino a quando non ha un volto completamente nuovo; sembrano dei bastardi tra la pittura costruttiva e l'arbitrio totale.
È così che ho visto il libro per la prima volta. Il libretto è un collage dagli avanzi verbali che Prolitheus ha lasciato sulle pagine del libro, che ho messo insieme. Ho raccolto questi avanzi in 10 cartelle tematiche e poi ho riassemblato tutto. Il libretto è quindi un collage di un décollage. Ho limitato le mie aggiunte al testo. È così che è nata la trama, è così che è stato composto il testo.
Musica
Il mio concetto musicale per il pezzo potrebbe essere descritto come "unità nella diversità".
In effetti, correnti molto diverse di stili musicali contemporanei si incontrano. Costruzione e vitalità, logica ed effetto sensuale devono essere combinati per portare ad un'unità anche visioni musicali opposte. Cercando di dare ai singoli titoli la forma e lo stile adeguati al loro contenuto, mi affido alla mia propria e libera decisione compositiva. Così la musica si trova tra tutti i fronti, rispettivamente gioca e flirta con essi, mescolando le tecniche compositive della musica seria più recente con il sentimento ritmico del jazz e l'atteggiamento verso la vita del rock. Il risultato non è affatto una sorta di crossover, ma sempre un'espressione originale della coscienza musicale contemporanea: un pezzo "Sturm und Drang", con la corrispondente intenzione di trascendere un periodo illuminato della creazione musicale.
Come studio preliminare, ho scritto una suite in 6 movimenti per trio con pianoforte „Prolitheus Suite“ che ha debuttato all'Università del Texas, con repliche alla Moores Opera di Houston, oltre a due festival italiani e alla Carnegie Hall di New York.
E un'altra cosa: nonostante la mia tendenza alla "dodecafonia", e sebbene la mia espressione musicale sia diversa da oggi, mi sento legato al teatro musicale specificamente tedesco, che, attraverso Eisler e Weill, tra gli altri, ha capito che l'arte e gli stracci non devono necessariamente escludersi a vicenda. E così vorrei vedere il „Vaudeville per Leontine“ come una continuazione moderna di questa tradizione.
Opéra Cirque
Götterspiele
GÖTTERSPIELE, trailer
Libretto Christian Haller
Musica Thomas Fortmann
Regia Clemens Lüthard
Direttore musicale Fausto Corbo
Scenagiatura Daniel Waldner
Passante Marylaure Pugin
canto/acrobatica/fisarmonica
Loh Raimund Wiederkehr (ten)
Lee Wolf Latzel (bar)
Bennie Joseph Gremaud (acrobatica)
Barbara-Gabriella Bossert (fl/picc)
Dimitri Ashkenazy (cl/ b.cl)
Inès Morin (vl)
Hannes Bärtschi (vla)
Diane Lambert (vcl)
Rätus Flisch (CB/E-bass)
Kathrin Bertschi (arpa)
Rahel Sohn (piano)
Luca Borioli (perc & batteria)
Coro Sonoro
Direttore Margret Sohn
Illuminazione/tecnica Daniel Tschanz
Direzione di produzione Fee Peper
GÖTTERSPIELE (38’36“)
Estratti dalla registrazione dal vivo dal 3 marzo 2024, Alte Reithalle Aarau.
GÖTTERSPIELE
Una parabola sul potere e sul suo abuso.
Cosa è reale, cosa è falso? Una giovane donna cade nelle grinfie di due divinità annoiate che giocano con lei un gioco perfido in cui nulla è come sembra. Sono ovunque dove si esercita il potere. Usano le persone, si sentono "dei" e credono di poter giocare con il destino. L'obiettivo: mantenere il loro potere.
Due divinità corrotte e depravate a cui nessuno crede più: Lee e Loh affermano il loro potere giocando al destino con un passante a caso. Si calano nell'identità di altre persone per invischiare sempre più la donna nei sensi di colpa e portarla alla disperazione con racconti avventurosi.
Nel punto più profondo della sua disintegrazione, tuttavia, la donna vede il gioco: In un momento di lucidità, vede gli dei e comincia a reagire.
Christian Haller e Thomas Fortmann hanno sviluppato il libretto in un processo congiunto.
Sulla base della sua esperienza con il rock e la musica classica contemporanea, Thomas Fortmann riunisce una varietà di dispositivi stilistici per formare un'unità, definendo così il suo stile compositivo molto personale.
La produzione di Clemens Lüthard aggiunge un elemento circense al testo e al livello musicale: con acrobazie, arte aerea, giocoleria ed elementi di teatro di movimento, un artista e mimo si fa carico dell'azione della figura illusoria. Il ruolo del passante è interpretato da un artista che si esibisce sia musicalmente che acrobaticamente.
Sostenuta da:
Aargauer Kuratorium, Aargauische Stiftung für Gesang und Musik, Hans und Lina Blattner-Stiftung, Fondation Suisa, Lebensraum Aargau, Pro Argovia Kaktus, Schweizerische Interpretenstiftung, Müller & Schade Verlag, BÜHNE AARAU Theater Alte Reithalle
Opera popolare (o quasi)
Pia de’ Tolomei
Le leggende popolari in ottava rima tramandate da Sestini e Moroni, l’opera di Donizetti e la cinematografia della metà del Novecento, ci raccontano di una vicenda melodrammatica ancorata ad una visione ottocentesca. Nell’affrontare questo tema abbiamo seguito una originale interpretazione strettamente legata ai pochi versi della divina commedia, ma supportata da una rigorosa e moderna ricerca storica, che, inoltre, rivela un dramma molto più intenso delle leggende tradizionali.
Nella composizione, Thomas Fortmann persegue un'estetica molto particolare e unica, combinando vari stili della musica popolare attuale a quella classica contemporanea e quella medievale, ricomponendo questa diversità in unità attraverso la sua esperienza di livello internazionale, iniziata come musicista rock sino ad approdare in età matura alla musica classica contemporanea e d'avanguardia.
trailer video, 7 min.
trailer musica, 18 min.
